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“Variaciones de un hacer melancólico”. Siete miradas en torno al oficio pictórico

por Magdalena Zúñiga

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Amanda Rodríguez

En la Posada del Corregidor se levanta “Variaciones de un hacer melancólico”, exposición en la que los artistas Sebastián Salvo, Sebastián Martínez, Cristian Oliva, Amanda Rodríguez, Gaspar Álvarez, Sacha Seguel y Wladymir Bernechea hacen confluir sus obras bajo una misma premisa: la melancolía y las dificultades que plantean los mismos artistas sobre su oficio.

El añoso edificio patrimonial alberga en sus dos pisos una gran variedad de formas y colores en su máxima expresión clásica, como pintura al óleo, acuarelas y grafitos. También nos presenta una pizca de video, ilustraciones y abstracciones, manifestando los nuevos medios en el arte. Entre los variados artistas que componen la exposición es posible establecer que su círculo de trabajo es el redescubrimiento del cuerpo humano y la experiencia sensible; además de identificar una figura humana plasmada en su soporte, se genera un diálogo e identificación con el espectador, es un encuentro armonioso entre el cuerpo artificial y el cuerpo material. Por ejemplo, en las contorsiones acuareladas de Amanda Rodríguez, se logra un equilibrio perfecto al inscribir una figura sobre un fondo blanco casi inexistente. En contraposición al fondo blanco de Amanda, Sebastián Salvo dispone, con precisas pinceladas, unos sobrios retratos totalmente expresivos que rememoran al más puro estilo barroco —las similitudes de un Velázquez son atrapantes—, pero con un claro estilo propio.

Visitar la muestra comprende un envolvimiento de distintas formas de hacer arte desde siete conciencias distintas, siete artistas que definen su propia línea pictórica, lo que al principio podría parecer caótico, pero las obras se disponen en estas murallas de tal manera que siguen una línea común, como ya señalé, de la melancolía.

No es necesario ser un erudito en bellas artes para tener una idea de lo que las obras muestran. Son imágenes que podríamos encontrar en la cotidianeidad, representadas con la ligereza de los materiales artísticos. Casi podemos palpar lo que vemos, la delimitación de los cuadros sugiere una mirada trascendental, no hay un límite explícito, las figuras están contenidas y a la vez quieren escapar y configurar un relato con el espectador.

La muestra estará abierta al público hasta el viernes 17 de agosto, de martes a sábado de 10:00 a 13:30 y de 14:30 a 17:30, en calle Esmeralda 749, cerca del metro Plaza de Armas. Ubicada en pleno corazón de Santiago, esta muestra es una gran oportunidad para aprovechar una ciudad cargada de expresiones artísticas y patrimoniales en muchos de sus rincones.

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Magdalena Zúñiga Velasco (1997). Estudiante de Teoría e Historia del Arte en la Universidad de Chile. Colaboró como ilustradora en la plaquette colectiva Tráfagos (2018). Es editora de la revista Punto de Fuga, de la Facultad de Arte de la Universidad de Chile.

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Conquista del soporte como obra. “Fuera de Servicio” de Robinson Hakim Estibill

por Magdalena Zúñiga

Los nuevos medios en el arte, entendidos como un giro a las formas o conceptos tradicionales, y que sugieren una exploración de los soportes, medios y técnicas, han hallado en su creciente terreno propio una vía artística provechosa. Es decir, de un conjunto de materiales disponibles para ciertas tareas quizás cotidianas, que el artista emplea para darles una nueva forma, los manipula para convertirse en “obra de arte”.

Un claro ejemplo de estos nuevos medios fue Jackson Pollock, quien desde la década de 1930 revolucionó las maneras de configurar el arte y sus soportes, abriendo un gran espacio para repensar el campo y el oficio artístico, al cambiar la percepción de los espectadores, cuestionándose cómo producir arte. Durante los últimos años, dentro de este campo, hemos visto que el tratamiento lúdico de los materiales se evidencia en la irrupción de los mismos sobre el soporte.

Es en este último punto donde el arte generado con medios y técnicas no convencionales, para Robinson Hakim Estibill significa un gran potencial y constituye su exposición “Fuera de servicio”. En esta nos explica que el espacio público, entendido como una saturación de objetos de pertenencia pasajera, puede ser despojado de una capa de barniz para ser visto en calidad de “obra de arte”. Desde ese momento sus múltiples colores, responden no solo a una decoración, sino también a una apreciación estética.

Para conseguir este fin, Robinson creó un nuevo método: él emplea la lija sobre los objetos, y de este modo la misma se transforma directamente en un soporte donde los materiales yacen autónomos, además de estar presente, paralelamente, la invocación al objeto de donde fueron extraídos.

En sus creaciones, existe una dualidad que se puede apreciar a lo largo de la exposición,  la de tratar lo urbano, callejero e informal como una solución formal, mezclando elementos y una vasta gama de colores a disposición del pensamiento artístico de Robinson. El resultado es organizado de manera tal, que la composición resultante olvida su concepción violenta (que responde a la acción de lijar) y se posicionan trazos como verdaderas pinceladas sobre lienzo.

Estos nuevos conceptos artísticos son los que nos sugieren un constante cambio, a nosotros como espectadores y al artista como portador de una misión. Robinson con “Fuera de servicio” nos invita a pensar el arte como un oficio que puede ser concebido desde cualquier punto u objeto, la creatividad toma el camino de una gran libertad al poseer materiales que se consideran necesarios, para luego reflexionar y modificar su naturaleza en favor de la ejecución artística.

Su exposición se encuentra en AIEP en plena comuna de Providencia, ubicado en Triana 820, hasta el 20 de julio del presente año, de 08:30 a 22:30. Es posible recorrer la sala en una tarde libre, en un pequeño paseo para degustar nuevos estilos de arte y nuevos artistas que quieren dar a conocer su trabajo innovador.

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Magdalena Zúñiga Velasco (1997). Estudiante de Teoría e Historia del Arte en la Universidad de Chile. Colaboró como ilustradora en la plaquette colectiva Tráfagos (2018). Es editora de la revista Punto de Fuga, de la Facultad de Arte de la Universidad de Chile.

 

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Ese extraño hundimiento en lo imposible

por Jorge Lorca

14612574_10154626067659394_2924736600832490537_oEl artista nacional Wladymir Bernechea (Rancagua 1989) nos presenta la muestra Hundirse en la niebla, un conjunto de obras que tienen como antecedente directo, un extenso recorrido visual previo de imágenes para un trabajo conceptual y plástico de larga data. La pregunta en que Bernechea se mueve, recursivamente, es si en el fondo es posible que los espacios puedan ser dotados de cierta afectación o sentimentalidad. Por “espacios” el artista entiende aquí cualquier lugar que pueda ser vaciado de significado y cargado al mismo tiempo de uno novedoso o completamente diferente del anterior. Esta resemantización territorial produce una dislocación, una fractura que hace emerger desde su propia plasticidad discursiva la sensación de extravío, de extrañeza ante lo que se mira o se es “testigo”. En este mismo sentido, lo geométrico que acá comparece no se condice o no se corresponde con lo orgánico del paisaje. Uno se puede preguntar, ¿son estas obras un ejercicio de plantear “utopías” pero cargadas de un índice de negatividad? En las escenas que se observan, por ejemplo, las casas y edificaciones se presentan como arquitecturas obstruidas sobre sí, esto quiere decir que esos habitáculos no están construidos para acoger ni cobijar, y son, por el contrario, algo completamente diferente del hogar, que podría ser definido como una suerte de nido o forma cómoda que se adapta a uno mismo (Bachelard).

La elección de los paisajes tampoco es casual y menos la proliferación de cielos cubiertos, los cuales evocan y ponen en tensión una especie de dramatismo atmosférico. Es por eso que estas imágenes parecen articularse justo momentos antes de que acontezca la catástrofe o en el segundo previo a la caída de la “tormenta”. Por lo tanto, su primera relación pictórica es con la atmósfera o con lo que circunda al objeto propuesto. En este punto es donde decimos que los cuadros de Bernechea tensionan el exterior circundante con la arquitectura y en donde los demás elementos plantean un conflicto con el gris monocromático que acentúa la sensación de peligro e inhospitalidad. El tamaño de las obras tiene también una intención clara: la de albergar en una microcápsula, un pequeño espacio suspendido, para que se acreciente en él la incerteza de la duda o la imposibilidad propositiva de una convicción, de un saber qué sucede o cuál decisión se debe tomar. Las dimensiones de los cuadros invitan al espectador a acercarse físicamente a mirar, pero a la vez la imagen ofrecida para su regocijo estético le rechaza, al no dejarlo entrar cómodamente en la escena, ni sentirse a gusto frente a lo que se mira. Bernechea reflexiona y elabora cruces entre las ideas de espacio, silencio, gravedad, atmósfera, afectación, monocromía, antropofobia, melancolía, incomunicación y soledad.

Bernechea es Licenciado en Artes por la Universidad de Chile, Magister en Artes Visuales por la UNAM (Universidad Autónoma de México), además de desempeñarse como docente en varias universidades del país. Viene desarrollando a la par una amplia trayectoria en diversos espacios expositivos nacionales, como la muestra Reconstitución de escena en el Centro Cultural Estación Mapocho; Caminar sobre el fuego, Galería Worm; Desde el resto, Museo de Arte Contemporáneo; El tiempo de las cosas, Sala A. M.; Desde donde mirar el cielo, Galería Bech; Tercer paisaje, Galería Balmaceda Arte Joven; Cabeza de ratón, Museo de Artes Visuales; y también las muestras internacionales Habitar la tormenta, Cenart (Centro Nacional de las Artes) México D. F; Art of Humanity, he Rubelle and Norman Schafler Gallery, New York, Estados Unidos; Imago Mundi, Fondazione Giorgio Cini, Venecia, Italia; Juntamos mundos, Galería 77, Médico D. F; Grafismos Now, Galería Principal UAEM, Toluca, México, entre otras.

Sus influencias como artista no vienen dadas solamente desde el campo de las artes plásticas, Malevich por ejemplo, sino que proceden también del animé, del cine y de la arquitectura. Estos influjos estéticos están presentes en las formas, los espacios y en las maneras de configurar los cruces entre lo abstracto de las edificaciones y los paisajes, los tonos y las superficies de emotividad. Todo ello hace que la obra de Bernechea sea un encuentro entre la cultura pop y las absorciones propias que realiza el arte contemporáneo con el imaginario cultural.

La muestra se inaugura este viernes 4 de noviembre, a las 19:00 hrs, en la Sala de Exposición, Centro Cultural Las Condes, Avda. Apoquindo #6570. Entrada Liberada.

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Jorge Lorca Leiva (1974) Ensayista, investigador, curador, archivista, docente y esteta. Doctor © en Filosofía por la Universidad de Chile y Licenciado en Educación y Profesor de Filosofía por la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación (UMCE). Tiene además un postítulo en Estética y Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Chile. Se ha adjudicado la beca “Capital Humano Avanzado” para Doctorado Nacional, por la Comisión Nacional de Ciencia y Tecnología CONICYT del Gobierno de Chile y el Fondo del Libro del CNCA, Convocatoria 2016, en la Línea de Creación, Ensayo. Es colaborador permanente de la “Revista de Teoría del Arte” de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, miembro del comité editorial de la Revista Internacional de Filosofía “Mutatis Mutandis” y árbitro revisor de la “Revista Enfoques” de la Facultad de Ciencias Políticas y Administración Pública de la Universidad Central. Ha participado a su vez como mediador artístico en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile y como curador en importantes galerías y espacios de difusión de la cultura y las artes.

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